Existen dos tipos de cine de forma general: comercial y de arte, que quiere decir “algo”.

Qué es el cine, según Kurosawa el cine es un drama filmado. Es algo que no se puede enseñar; pero sí se puede aprender. Partir de la pregunta qué es una historia, cómo ha sucedido, cómo está organizado es un buen comienzo.

Por ejemplola UNESCOseñala que el cine es la visión de uno mismo, es una fuente particular y única de conocimiento. El cine nos muestra sin que nos demos cuenta, la verdad a través de las mentiras. Quizás es alimentarse más allá del conocimiento.

En el cine la función siempre es la misma, no así en el teatro. El poeta coreano Osaya decía que el agua que fluye en cascadas es el drama.

Y este drama en cine depende del tamaño de los sentimientos donde las tragedias son altas, el drama donde es encuentran los sentimientos de personajes, comedias y de bajos sentimientos.

GUIONIZACION

Concepto:  El guión es una guía, un conjunto de acciones y secuencias. Marcos Loayza señala que lo más parecido a un guión es un plano arquitectónico, sólo lo van a mirar los especialistas.

Mientras más se conoce de cine, más se conoce de guión.

Habría que hacer una diferenciación de guión técnico y guión literario. El literario es  el texto literario con diálogos y descripción de las acciones. El guión técnico donde se escribe todo plano por plano, es un guión para la dirección.

Existen varios conceptos o descripciones del guión literario.

Entre ellos aparecen:

Doc Comparato señala que el guión es una cadena de creación colectiva que depende de la multitud de profesionales, es colectiva, pero de autor. El producto final viene del guionista, productor y director. Se considera que el guionista es el “ello” o alma secreta, el “yo” o conciencia el director, y el “superyo” o censura el productor. (VILCHES).

 

Existen diversas formas de afrontar un guión, los formatos son distintos como:

 

Serie dramática o película

Para la guionización de una serie se necesitan bases dramáticas:

 

LA IDEA

La idea es abstracta. Es parte de un proceso creativo. Sin embargo señala Doc Comparato que no debe confundirse a la persona creativa con el proceso del trabajo creativo. (no mezclar comportamiento con acción)

Stephen Spender señala que las características del proceso creativo son las siguientes:

-Concentración, inmediata o completa y lenta o en etapas.

-Inspiración (“una senda dada por dios”)

-Memoria o lectura de la memoria (pensar en imágenes)

-Autoconfianza, fe y autocrítica.

-Capacidad y flujo narrativo, talento natural.

Ejercicio de una palabra y pensarla en imágenes: paciencia, gloria, muerte, nostalgia.

 

También se mencionan tipos de idea como:

La idea que surge de nuestra memoria o vivencia personal se llama idea seleccionada y se sugiere romper ese esquema de pensamiento en la creatividad.

El segundo tipo es la idea verbalizada; alguien nos cuenta una historia.

La tercera es la idea leída, por ej, casos policiales que aparecen en el periódico.

La cuarta es la idea transformada, a partir de otras obras como audiovisual o literaria, muchos le señalan que puede ser un plagio, sin embargo la elaboración de una idea transformada es más complicada.

La quinta es la idea solicitada, clásica de quién trabaja en publicidad.

La otra es la idea investigada, o crear algo para el mercado.

Y por último, la idea original, que puede ser cualquiera de las anteriores o una mezcla.

La idea puede comenzar con el argumento, story line y la frase gancho. El tratamiento   es contar la película =argumento.

Story Line

Lo primero que hay que buscar en la idea es el conflicto, así se construye la dramaturgia. Si algo se transmite, debe ser conflicto. Después de la idea aparece el story line, texto de cinco líneas que debe transmitir la matriz del conflicto a través de tres movimientos: presentación del conflicto, el desarrollo y la solución del conflicto.

Si la historia no tiene curva dramática, no vende. Cuando pensamos o elaboramos el conflicto debemos preguntarnos: ¿cuál es el conflicto?, ¿qué otros productos hemos visto que contengan el mismo conflicto?, ¿en comparación con ellos, cuáles son nuestras posibilidades dramáticas?, ¿qué se quiere decir, cuál es la tesis?

 

SINOPSIS (acción dramática y personajes)

El reino del personaje es la sinopsis. Se recomienda 10 folios por cada hora de programa. O para mostrar a inversores un número de 2 a 5 hojas, situando al personaje dentro de la historia.

El argumento es el tratamiento, el primer tratamiento es el primer borrador.

La sinopsis tiene contenidos muy precisos:

–          Cuándo (tiempo presente?, ver si es tiempo continuo o discontinuo, flash back, etc.)

–          Dónde (lugar histórico, social y cultural)

–          quién va a vivir la historia (el nombre es importante, señalar cómo habla, describir sus valores, el físico, clase social, religión, psicología,

–          cuál es esa historia

Se hace sinopsis para la viabilidad de la producción, si es vendible, desde el punto de vista artístico (casting), para evaluar el tiempo de la acción dramática.

 

La sinopsis para película, según Loayza, puede abarcar media página, es el resumen del argumento. Hay otro sin contar el final con fines de marketing.

 

ACCION DRAMATICA O CONFLICTO

La típica de cualquier historia es : conflicto, nudo y solución.

Se nombra tres tipos de conflicto que muchas veces vienen mezclados:

 

-Fuerzas humanas (hombre contra hombre, patrón obrero, hombre mujer, etc)

-Hombre frente a fuerzas de la naturaleza (terremoto, ciclón, etc)

-Hombre frente a sí mismo (psicosis)

 

Las cualidades de conflicto son:

-correspondencia (todos conocemos el conflicto, ej, la muerte)

-Motivación (tiene un motivo)

-Acción dramática (la estructura).

 

El personaje está en el centro de la acción dramática.

Aristóteles dividía el drama en seis elementos: personajes, pensamiento, dicción o habla, música y espectáculo (realización) y alma (estructura). Una historia bien contada crea expectativa.

 

En una historia se crea un plot o plot secundario, es decir el desarrollo del conflicto base. Pero en las miniseries se usa mucho el multiplot o historias que se cruzan. O también el plot paralelo para contrastar o comparar las historias.

Doc Comparato clasifica como esteretipos al plot en:

–          De amor

–          De éxito

–          La cenicienta

–          Triángulo amoroso

–          Regreso

–          Venganza

–          Conversión

–          Sacrificio

–          Familia

–          Extraño a diferente

 

Parte mítica del guión:

En un chiste podemos encontrar una efectividad narrativa. Es la información que el espectador necesita. Se logra encarar el relato.
El mito es una forma de estructurar, basado en los cuentos. Norton Fruke describe tres etapas en el mito (por ordenamiento antropológico)

 

1° Tirambo o Rapsodia: Aurora, primavera, nacimiento, creación, subordinación, imagen de la madre.

2° Idilio, pastoral/ comedia: Cenit, verano, entrada al paraíso, imagen de la novia.

3° Tragedia, elegía: oto{o, caída, sacrificio, traidor, imagen de la sirena.

4° Sátira: tinieblas, invierno, disolución, retorno al caos, infierno, imagen de ogros y brujas.

 

Por su lado Joseph Campbell establece 8 etapas del mito:

1° Llamada a la aventura o vocatus: tienes esta misión.

2°La Mujertentadora

3° Ayuda sobrenatural

4° Cruce del primer umbral

5° Camino de pruebas

6° Encuentro con la diosa

7° Vientre materno (caos)

8° Reconciliación con el padre (se reestablece el orden)

 

Otros pasos nombrados referentes al mito son:

–          Mito circular (personaje con talentos)

–          El héroe tiene un nacimiento difícil (sobrevive ante el hundimiento del barco)

–          Huérfano

–          El líder, el héroe

–          Talismán (objeto)

–          Su meta llega tarde, destino (rambo retirado)

–          Largo viaje (misión)

–          Los antagonistas tienen poderes extraño

–          Conoce lo underground (ve la muerte)

–          Recibe, revelación mayor, personal y pública (matar al dragón)

–          Termina el viaje y él está cambiado (ulises disfrazado)

 

Así también existen pasos más relacionados al guión:

 

–          La curva del personaje (qué aprende, qué gusta)

–          El fantasma (sombra del personaje)

–          Los comienzos (el hombre feliz)

–          El tag (palabra que se repite)

–          Inshthing (incitante) coloca al héroe en el sartén, lo manda al fono, conflicto, donde él decide o lo empujan)

–          Presentación del aliado del protagonista

–          Subtrama (es la segunda historia)

–          Introducir al antagonista o antihéroe

–          Misterio

–          El aliado del antagonista

–          Primera revelación de la guerra

–          Formular un plan de ataque (utilizar las cosas que nunca utilizó el héroe)

–          El plan del antagonista (el primero es oculto, el segundo directo)

–          El impulso del héroe se degrada (su plan no sirve)

–          El protagonista aliado cuestiona (enfrentamiento entre aliados)

–          La derrota del protagonista (preso)

–          La segunda revelación (esperanza)

–          El público recibe una revelación del aliado del antagonista

–          La última revelación del héroea

–          La visita de la muerte (enfrenta directamente)

–          La batalla

–          La autorevelación del héroe ( resulta que el príncipe era él)

–          Alcanzar el más alto nivel de héroe

 

El tamaño de la revelación es el tamaño de la historia.  Una historia pertenece a quien mejor la cuenta. Ej Shakespeare.

 

Al hablar de estructura dramática, Marcos Loayza, también habla de situaciones dramáticas mencionando las situaciones que propone George Pólit:

 

  1. Súplica
  2. Liberación
  3. Crimen seguido por castigo
  4. Venganza de pariente por pariente
  5. Persecución
  6. Desastre
  7. Ser víctima de crueldad o desgracia
  8. Rebeldía
  9. Empresa audaz
  10. Secuestro
  11. Enigma
  12. Obtención
  13. Enemistad de parientes
  14. Rivalidad de parientes
  15. Adulterio criminal
  16. Locura
  17. Imprudencia fatal
  18. Crímenes involuntarios de amor
  19. Asesinato de pariente no reconocido
  20. Autosacrificio por ideal
  21. Autosacrificio por pariente
  22. Todo sacrificado por pasión
  23. Necesidad de sacrificar al ser querido
  24. Rivalidad de superior a inferior
  25. Adulterio
  26. Crímenes de amor
  27. Descubrimiento del deshonor de un ser querido
  28. Obstáculo de amor
  29. Un enemigo amado
  30. Ambición
  31. Conflicto don un dios
  32. Celos equivocados
  33. Juicio erróneo
  34. Remordimiento
  35. Recuperación de un ser querido
  36. Pérdida de seres queridos

 

Pero además de situaciones dramáticas también deben tomarse en cuenta los sentimientos básicos para realizar un drama:

 

–          admiración

–          amor

–          odio

–          deseo

–          alegría

–          tristeza

 

PERSONAJES

Un elemento muy importante en un guión es la construcción de personajes. Bladimir Prop nos describe tipos de personajes según sus funciones:

–          Agresor

–          Donante

–          Auxiliar

–          La princesa o personaje buscado

–          Mandatario de la tarea

–          El héroe

–          El falso héroe

 

La presentación del personaje es muy importante. Cada secuencia justifica al personaje, se entra más en él, existe más empatía con el personaje, tiene que haber espacio en cada uno. Es necesario convivir con el personaje. Cuando la gente cree que conoce el personaje, está ganada. Por eso es importante que tengamos dentro el dragón (investigarnos) para que digan creo que lo he visto. Para eso se debe tener certeza de la historia, descender al propio caos.

Ahora bien, cada personaje puede ser un libro abierto que ya a nadie interesa, si es misterioso interesa, si lo conocemos puede tener algo que querramos conocer. Los guiones deben tener siempre sus misterios. No todo debe estar atado. El misterio viene de nosotros mismos, de nuestro espíritu a sus espíritus. Esos son los espacios negros.

Así también se debe pensar muy bien cuando se colocan los nombres. (época, generación, etc. )

Tampoco se debe descuidar el ritmo de las entradas y salidas de los personajes en la historia (prueba)

 

ESCALETA O ESTRUCTURA DRAMÁTICA

El guión siempre se maneja en tiempo presente, por más que sea pasado o futuro.

Se debe tomar en cuenta el ritmo, que es la combinación de sonidos y el tiempo. Es importante manejar la situación desde el primer impulso, el primer instante. Así también, es importante ver la historia en partes sueltas, armando una sólida estructura (giro, clímax, etc.) Para eso, sería interesante armar fichas que se armen y se desarmen para su posterior estructura final.

Pensar:

–          Atrapar el corazón

–          El método elige su estética

–          Contar la historia varias veces.

 

Kalil Gibran decía: ver la parte del todo con la parte del todo que hay en la realidad.

Para hablar de la estructura se recurre a Aristóteles y su poética que consta de tres partes. Inicio, medio y fin (a veces, algunas de las partes fallan). Una obra de arte está enmarcada en esas proporciones, que están relacionadas al propio objeto. Algunas películas tardan en empezar.

 

La noción de estructura está relacionada al sistema, al orden, al concepto de función que es la relación entre elementos que cambian el todo introducidos entre sí provocando modificaciones.

 

Al hablar de estructuras topológicas hablamos de interioridad, frontera, vecindad y proximidad, todas abarcadas por el espacio.

La obra en sí depende de sí misma. Se habla de un estructura invisible. Por ejemplo Star Wars tiene una estructura visible.

Existe un riesgo de mostrar la estructura (sabes quién es el malo y el bueno) otro ejemplo es la misma historia contada de diferentes formas.

De acuerdo a la función de los personajes se establecen ideas o pasos preestabelcidos para la estructura de un guión, por ej:

–          Uno de los miembros se aleja de la casa

–          Recae sobre el protagonista una prohibición

–          Se trangrede la prohibición

–          El agresor intenta obtener noticias (espejito), espía

–          El agresor recibe información

–          El agresor intenta engañar a su víctima

–          La víctima se deja engañar a ayuda a su enemigo

–          El agresor daña a uno de los miembros

–          Se divulga la noticia de la fechoría y encomienda

–          El héroe decide actuar

–          El héroe se va de la casa (la partida)

–          El héroe sufre un prueba para recibir al auxiliar mágico

–          El héroe reacciona ante las acciones del futuro

–          El objeto mágico pasa a disposición del héroe

–          El héroe es transportado al lugar

–          El héroe y el agresor se enfrenan en combate

–          El héroe recibe una marca, herida

–          El agresor es vencido

–          La fechoría es reparada, la carencia colmada

–          El héroe regresa

–          El héroe es perseguido

–          Es héroe es auxiliado

–          El héroe llega de incógnito a casa

–          El falso héroe reivindica para sí su acción

–          Se propone tarea difícil

–          Tarea realizada

–          El héroe es reconocido gracias a su marca

–          Le falso héroe es desenmascarado

–          El héroe recibe su nueva apariencia

–          El agresor es castigado

–          El héroe se casa y asciende

 

Hablando ahora sólo de estructura se habla de una estructura EPISÓDICA (cada episodio va cargando la historia) ola CAJA CHINA.

 

Para un control de ritmo y de los puntos altos, tener fichas, un listado de acciones y ver la frecuencia de estos para combinarlos con transiciones. Así también se debe controlar las partes que nos interesa mostrar; acción, ubicación, arte, todo lo que se ve. El director es quien da la función de espacialidad.

Dentro de la tradición dramática japonesa tenemos al Jo Hai Ku

Jo= introducción

Hai= destrucción

Ku= prisa

Cada obra debe ser un Jo Hai Ku, cada parte un Jo Hai Ku y así sucesivamente.

Dicen que los fantasmas viven y los muertos persisten.

 

En cuanto al formato, es el siguiente:

Ej.

1.SEC 1/locacion (bar)/ INT / día

Acción en altibaja , el nombre de personaje en ALTAS.

 

PEPE (lento)

El diálogo es en altibajas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Las secuencias son separadas. No se escribe flashback cuando se trata de un flasback.

Evitar escribir se ve, se escucha, de pronto. Mejor si las explicaciones van con imagen que con diálogo.

 

EL VEROSÍMIL

En la vida asumimos cosas extrañas. Las verdades no es la verdad. La realidad está ahí. En el cine no hay eso. Nada debe ser inexplicable, todo debe ser explicable, se van explicando las cosas. La verosimilitud no es lo mismo que la verdad.  Deben haber explicaciones constantes, a veces hay secuencias estúpidas; pero necesarias para explicar. La idea es que la historia prometa porque la historia así lo requiere. Y el secreto está en el equilibrio natural de las cosas, en temporalidad, en espacio, en aparición de personajes, sin dar un sentido claustrofóbico, que se parezca a la vida, en el sonido. Etc. No todo es pasivo en una historia, ni activo, secuencias, diálogos, extras, no todo es naturaleza, etc.

Las fichas pueden tener diferentes modelos, para poder jugar con varios colores e intercambiar.

Para medir duración del tiempo hacer bloques. (dibujo)

 

DIÁLOGO, ESCENAS

Las transiciones son bisagras de la historia, que ayudan a un cambio de tema. (escena de fiesta, calle, etc. ) También sirve para acentuar algo, datos. Etc. Así también ayudan a dar continuidad al relato, no es posible que sea noche, noche, noche, tiene que haber un amanecer de por medio. Lo mismo con los personajes, ayudarnos con elipsis.

El pensamiento y el habla se estructura de diferente manera. Para el pensamiento se recurre a la palabra, pero en apariencia, al hablar se trabaja con otra estructura. Y cuando se trata de un diálogo escrito, la actuación puede ser controlada. La parte hablada es distinta. El lenguaje tiene sus sutilezas. La puntuación es muy importante.

Se debe tratar lo correcto y lo incorrecto. El personaje tiene sus cosas, su vocabulario, por tanto los diálogos deben disfrazarse con cosas cotidianas. Lo realista no disgusta, y se produce la sensación de una cultura nueva. Las palabras tienen su sentido pero no del todo. Los diálogos son parte de la acción, son acción, sirven para avanzar la historia. Las novelas están sobrecargadas de diálogo. –ahora bien, cada personaje tiene sus palabras y un diálogo diferente. (ej. chavo, cállate, cállate)

Lo que valida esas repeticiones es el actor.

Los diálogos deben ser cortos (máximo 1 o 2 pulgadas) o sino partir los diálogos con acciones, hay que saber partir, saber dosificar, para ello pueden haber trampas.

Los diálogos deben tener ritmo, métrica, que los actores no se olviden (ej, show me the money) Logra tener magia en ese ritmo. Es bueno grabar diálogos de gente, lo popular, sin llegar a la sobrescritura o poesía. Con el diálogo ves el mundo diferente, lo mismo con las canciones, ves el mundo con otros ojos. Los diálogos deben ser necesarios, no caer en la redundancia. Que no sólo sea para rellenar los silencios.

Ahora bien, los diálogos tienen sus funciones:

 

–          para personaje (te están robando)

–          para público (se cierra a las doce)

–          para el autor (derechos humanos)

(Ej., actores que actúan con diálogos de otras películas)

 

Marcos Loayza recalca que lo que cuentas es la base, que mientras más diferentes son los personajes mejor. En las repeticiones se debe fraccionar, para darle ritmo y manejar exactamente. Así se puede jugar con la expectativa. A veces por juntar dos emociones se puede arruinar el diálogo. El TAG es la frase que se repite (ej, qué vamos a comer, qué vamos a comer, qué vamos a comer. R: vamos a comer mierda)

 

El leit motiv es más musical, puede ayudar como transición. Se debe jugar con el lenguaje en los más importante, donde no se acepta literalidad. Primero está lo coloquial, después lo poético. Es muy importante la lectura del diálogo, ver el ritmo interno.

Trabajar con monosílabos aumenta la tensión.

En cuanto al FINAL tenemos el feliz (donde todos los casos se atan), el abierto (donde se plantea una pregunta, eso no significa que la historia no sea resuelta) Puede tener dos partes y resulte una trampa, la pregunta no tiene respuesta, la última palabra la tiene el espectador. La película pasa (plaf) pero queda por resolver un misterio.

 

FIRST DRAFT, GUION FINAL

Mucho cuenta la última imagen, el último plano, porque es el trance del sueño a lo que despiertas. (Ej. la mano en películas de terror). El ardid del guión, la última escena es el sabor que quieres que tenga la película. El cine tiene 7 minutos de principio, donde se mete el gancho

Para ser guionista hay que conocerse a uno mismo, en qué momento soy más creativa, conocer el carácter, saber cuándo empezar, ver mecanismos de defensa. Hay que saber desprender lo uno de lo otro. El sustento es el flujo ( todo es posible) y el reflujo donde es más lógico y existe un punto de vista ético, sensible. Decir mi verdad, con una coherencia con mi identidad. No mentirnos. En realidad la inspiración existe cuando la obra está terminada. La mano piensa dicen algunos. Hay que programarse, crearse una memoria emotiva, hay que empezar a hablar estúpidamente. La memoria es como la edición. Para encontrar el corazón de la historia hay que trabajar en la metodología de la escritura. Cada historia tiene su metodología por tanto hay que embarrarse de esa historia.  Cada historia genera su propia estructura (en la medida de ser capaz de crear su propio universo) La metodología de escritura es dejar que funcione en subconsciente, nuestros cadáveres exquisitos.

El guión debe tener sorpresas, que es la inevitabilidad de los hechos, es imprescindible en respuesta. La información hay que darla tres veces para que sea clara. El guión es un instrumento de trabajo.

Marcos Loayza recomienda que el guionista debe crearse paso a paso, ir juntando información gota a gota, conocerse, postergarse, y comenzar la historia lo más tarde que se pueda.

Resumiendo el procedimiento de escritura de un guión, Swain, señala que hay que tener 5 pasos para escribir:

–          el pasado del film (hay que crearse una historia)

–          encontrar a los personajes ( aparición, presentación, carácter, potencial) en situaciones: descubre, sospecha, en locaciones como autos, casas; y en tonos y atmósferas como el medio policial, nostalgia, etc.

–          Definir el inicio: que toma en cuenta el gancho (acción tras acción), y el compromiso del personaje (lo que decide)

–          Planificar las crestas, los puntos altos, que es muy diferentes a la curva dramática. Evitando lo predecible, sorprendente pero inevitable, buscar la solución negativa, complicar, tener espacios de crisis, equidistar.

–          Resolver situaciones pendientes, atar cabos, liberar tensiones, tensiones laterales, cómo acabar la película.

Prueba del 9

–                      puntos –                      escena1 –                      escena2
–                      locacion noche
–                      locacion dia

 

Otra prueba muy interesante en ponerle música a lo que sea (para medir tiempo y ritmos)

En narración lo que ayer funcionó quizás no vuelva a funcionar hoy o mañana. En realidad es el relato el que hace la diferencia, muestra la manera de hacer. Un Scorsesse es diferente a un Coppola porque su estilo de narración es distinto. Hay que hilar fino para los espectadores, que piensen que somos inteligentes.  Se debe buscar todas las historias posibles en un guión. Hacer películas tontas es fácil, tienen sus artificios, hay que aprender también esos artificios. Un buen ejercicio, es leer el primer párrafo de cuentos, lo mismo con las películas. No sólo hay que ver el cine de los maestros, sino de los peores para aprender qué cosas no hacer.

 

FECUNDIDAD DELA NIEBLA

Cuando se crean historias se entran a un montón de territorios desconocidos. Hay elementos que te atraen, la niebla es tu propia niebla. (fantasmas, sexo, proyecciones, etc) lo íntimo está en juego. Se arriesga la integridad, se recomienda sin temor a dónde llegar. Hay que entrar en la niebla, sin ser mártir, sino encontrar, ir caminando, quizás no sirva para guiones actuales, quizás para los próximos. La única garantía quizás es matar al padre, hay que hacer más que aportar en la vida. Los derrotados tienen más cosas que contar. (“Si te llama la niebla es por alguna razón”) Con el tiempo nos daremos cuenta que de los 10 fantasmas que tenemos 8 son basura. Cuando te preguntan por algo por 3 veces, es un potencial.

 

GENEROS

Los géneros no son cinematográficos sino narrativos. Los géneros no son estables, tienen su razón social y tiene su decadencia. Difícilmente se quedan. Cada película le llega a la sociedad que debe llegar (ej. naranja mecánica, ultrseven en Japón, la guerra fría en USA donde el enemigo era comunista, negro y extraterrestre), Spaguetti de Clint Eastwood es muy diferente al western italiano de Franco Nero.

Los géneros se clasifican en:

 

Thriller: (policial negro) donde existe un control y presencia social. El que busca la justicia no es bueno, es oscuro. Existe una crítica social. (ej. seven)

 

Suspenso: Juega con lo que sucede.

Terror: lo que importa es el tamaño del monstruo. Carpentier maneja muy bien el terror.

 

Gore: fantástico de terror degenrado a mostrar de todo (muertos vivientes) donde entra lo onírico y la tecnología.

La diferencia entre terror y suspenso: en terror encontramos la escena que no te olvidas, en suspenso está la sensación que no te olvidas.

 

Road movie: historia de un personaje que va de un lugar a otro. Es la película de carretera, donde también se observa un viaje interior del personaje. (Ej. cuestión de fe).

 

Ciencia Ficción: es más sátira (Brasil)

 

Artes marciales: comienza con Kurosawa (los 7 samurais) donde muestran lo explícito de las cosas, la habilidad. Pero últimamente parte del teatro Kabuki Noh). La justicia es el tema central.

 

De época: donde las historias se reconstruyen, tan pasado que tiene que ser de ahora. (ej, rey de reyes, Marcelino, etc.) Antes las heroínas eran rellenitas, ahora son Mila Jojovich. El gran final lo sabemos, pero cobra magia.

 

Bélica: Son cicatrices. Ej. en Alemania no se puede hacer mucho de guerra, en USA lo hacen. Ellos son los buenos, el malo era malo. En Vietnam el alto mando era justo. Pero en los 80 aparecen soldados como Nacido para matar, Mash, etc. que muestran el sin sentido de la guerra.

 

Tragedia: donde el destino es e principal, el hombre está destinado, es inevitable, se resalta a los hombres lo mejor que pueden ser, pureza, donde también tenemos enfrentamiento con los dioses. Aristóteles cree que la tragedia es la obra mayor y que tiene 6 partes:

–          trama (estructura) fábula

–          carácter (personajes)

–          dicción (interpretación)

–          pensamiento (idea, tema)

–          espectáculo (puesta en escena)

–          melodía (ritmo, diálogo, como se escucha)

Sin embargo la tragedia debe ser más importante que el personaje.

 

Épica: donde la tarea es grandiosamente épica. Puede haber comedia de época. El racismo fue tocado históricamente, Speilberg lo hizo conla Lista de Schindler. En Europa se trabajó el realismo íntimo.

 

Erotismo: No es lo mismo el de USA que el de España. La moral es diferente.

 

Melodrama; antes estaba en los teatros, musical, es un trama más complicada, se juega con la información, de donde sale la obra bien hecha.

 

Cine del desquicio: radicales en sus posturas, absurdos. (Allen, Pantera Rosa, el mundo está loco loco), donde no hay equilibrio, es un barril sin fondo.

 

Drama: donde el conflicto es muy alto. Las grandes películas inauguran o rompen géneros. Matriz crea el tiempo topológico.

 

Se concluye que cada época requiere su género. La sociedad es la que pide, por eso los trailers son útiles para el marketing.

 

Comedia

Primero comencemos por la comedia en general.

Comedia: donde se muestran los líos que tienen los hombres, los muestra más de lo que son, donde la relación con el poder es importante, siempre gana el débil. Existe un clasificación entre las mismas comedias:

–          comedia de los pasteles: (utiliza gags como Chaplin, jarrey), los objetos se pierden importancia, chespiritus, el pastel no es para comer, es para tu cara

–          comedia social: como la comedia italiana, con el humor se toca temas profundos, fantoches.

–          Comedia romántica: dos personas que se enfrentan y terminan unidos.

–          Comedia de situación: donde la información llega mal. Todo lo que pasa está mal entendido, se desenmascara al final.

–          Comedia de guionista: donde el actor habla y habla y no dejas de reir (cantinflas)

Anuncios